Marta Moro

Hay una magnífica exposición en el Centro Cultural Caixa de Girona-Fontana d’Or hasta el 26 de junio sobre las obras de los pintores rusos que pertenecen a este movimiento.

Viene fenomenalmente explicada en este artículo de El País.

Este período de la pintura rusa es fruto del contacto que mantuvieron estos autores con su coetáneos franceses, debido a unas becas que obtuvieron para visitar Francia y a las exposiones que artistas como Manet, Monet o Pisarro hicieron en Rusia. También eran admiradores de la pintura de Fortuny.

La época coincide con un gran florecimiento cultural en Rusia, la llamada «Edad de Plata» pues surgieron genios de las artes como Chaikovski, Chèov y Maiakovski.

En sus obras estos pintires también imprimen su sello folklórico, espiritual y de exaltación nacional.

Voy a mostra algunas de las obras allí expuestas. Algunas imágenes unas tienen marcas de agua de las empresas que las han subido a la web)

«De Visita» de Abram Arkhipov:

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«La florista» de Kasimir Malevitch:

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Dos obras de Kandinski, antes de dedicarse a la abstracción, «El río en otoño» y «El río en verano»:

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«En el banco de cesped» de Repin:

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«Los niños Sasha y Yura Serov» deValentín Serov:

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Es curioso como internet nos puede volver a poner en contacto con personas que no vemos desde hace años.

Gracias a este blog he recuperado a varias amistades del pasado, y que además amablemente me han mandado la foto de algún cuadro que pinté en su día.

Es el caso de este cuadro que os muestro ahora:

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Tengo que reconocer que me gusta un montón. Le di fuerza a la pincelada suelta, sin miedo. Quería hacer mi propio cuadro de amapolas sin copiar a Monet:

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El cartel de la tercera exposición de Realismo Contemporáneo me ha descubierto a Antonio Capel.

Un pintor con una larga trayectoria y de reconocido prestigio que tiene obra en importantes museos de arte contemporáneo como el MUSAC. Pero a mi me ha llamado poderosamente la atención por ese ambiente cálido que recrea en sus cuadros tanto de interiores como de exteriores. Domina todos los temas figurativos: el paisaje, el retrato, el bodegón, mención especial para el tema ecuestre y taurino. Yo me quedo con los gatos y vais a entender porqué:

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En sus interiores usa un clasicismo castellano de tierras, ocres y maderas endulzado por la piel y vestimenta blanca de los personajes:

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En los bodegones se nota la maestría de un gran colorista y gran dibujante:

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De los paisajes éste es mi preferido por la sabia combinación de tonalidades del paisaje castellano, con el que demuestra toda la belleza que es capaz de poseer, pero que no todos los «norteños» son capaces de apreciar (si Galicia tiene mil verdes, Castilla tiene mil tostados):

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Incluso ha hecho una inmersión en la abstracción, pero este «realismo abstracto» es el que más me gusta:

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Si quereis ver cómo hace un retrato en 12 minutos no dejeis de ver los dos vídeos que hay al comienzo de su página.

Esta es la sección que le dedica Artelibre.

Para hablar de precursores del cubismo y otras vanguardias, hay que referirse a Cézanne.

Aunque conoció a los impresionistas y participó de su estilo y de alguna exposición conjunta en el Salón de los Rechazados, utilizó un peculiar estilo propio que le diferenciaba y le aislaba aún más de público y crítica. Pudo resistir económicamente gracias a la herencia familiar, viviendo y pintando en París y en la Provenza.

Mantenía que la reproducción pictórica puede basarse en tres formas geométricas simples, el cilindro el cono y la esfera, y trataba de reproducir la visión binocular de los objetos, resultado de mirarlos primero con un ojo y luego con el otro. Este fue el punto de partida del cubismo, que reelaboraron más tarde pintores como Picasso, Braque o Gris, llegando a la destrucción de la forma.

Se considera que la obra exponente de este estilo previo al cubismo es «Las grandes bañistas» de 1906. Hizo varias versiones del tema de las bañistas, y esta es la última. Las figuras están dispuestas formando un triángulo que enmarcan los troncos de los árboles. Esa disposición crea un gran efecto de profundidad, ayudado por el espacio vacío en el centro entre las mujeres del primer plano, que nos lleva la mirada hacia las figura de la otra orilla del río y el paisaje del fondo. Predominan los colores ocre, verde y azul, y las figuras humanas están realzadas por un grueso borde negro. El cuadro transmite el distanciamento del artista, sin emociones, hacia una visión de una escena mundana con ciertos matices mitológicos, las ninfas del río disfrutan de su baño. Los rostros de las bañistas están difuminados, no se las retrata, lo que da un tono más irreal a la obra.

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Reconozco que me siento especialmete atraída por este paisaje de «La Montaña Sainte-Victoire vista desde Bellevue». Los colores tran fuertes de un atardecer pero equilibrados y esas pinceladas casi cuadradas, formando un todo armonioso a base de formas casi geométricas, es un logro pictórico apabullante.

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El Can-Can me llevó de Manet a Seurat.

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No podía olvidarme de este genio que inventó el Puntillismo, ese estilo pictórico no apto para hipermétropes.

Es una derivación del impresionismo, llevando al límite el principio de descomposición de la luz, y colocando las pinceladas de colores puros unas al lado de las otras, pero en este caso, las pinceladas son puntitos. La colocación resulta casi geométrica, y por tanto las figuras que compone. De ahí al Cubismo sólo hay un paso. Bueno… un gran paso que tuvieron que dar otros pintores, como Picasso.

Pero la obra que da nombre al estilo puntillista, y que resultó ser la más celebre de Seurat, reconocida como un icono de la pintura del XIX es esta: «Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte».

Tardó dos años en realizarla, haciendo multitud de bocetos, y estudiando la mejor manera de colocar los puntitos de color a una distancia concreta para mostrar todos los efectos que deseaba, con la intención de que fuera el ojo del espectador el que mezclara los colores puros en la retina y así dar lugar a sensaciones más intensas, creando algo parecido a una nube de color vibrante (fijaros en el detalle de la copa del árbol del plano medio de la izquierda). Era un científico del color, de cómo éste puede transmitir emociones de la manera más apropiada. Este cuadro es un manifiesto de su teoría pictórica: las lineas verticales y los colores cálidos para expresar alegría, y la líneas horizontales junto con el equilibrio entre colores cálidos y fríos para expresar relajación.

Por otro lado, la aparente quietud de las figuras de este cuadro contrasta con la gran cantidad de motivos y espacios, lo que da lugar a un incesante movimiento armónico.

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Si Seurat no hubiera muerto a la temprana edad de 32 años, hubieramos podido ver muchas más maravillas como ésta.

En esta entrada de El Dado del Arte se puede saber más sobre este pintor norteamericano recientemente fallecido. Como Edward Hopper, le llevó la contraria a su época y se decantó por un estilo realista y muy poético a la vez.

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Ha reproducido algunos de los cuadros más conocidos del Museo del Prado, pero dejándolos limpios de personas y animales, fuera cualquier movimiento. Son paisajes deshabitados. La sensación de vacío es inmediata.

Podeis verlos en este blog.

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Estas son fotos de mi última exposición. Fue en mayo de 2007 en el Pazo da Escola de Gondomar. Se trata de un antiguo pazo gallego convertido en alojamiento rural, decorado con mucho gusto, con una gran zona verde y donde se come muy bien.

Con la exposición de Van Gogh en el Thyssen me pasó lo mismo, así que tuve que dar otro paseo virtual.

Pero sí que estuve en su museo en Amsterdam.

En esta otra web se puede ver comentada su obra completa.

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Esto es lo que se ve desde mi casa: campos de trabajo con todos los verdes imaginables. Las montañas del fondo son portuguesas.

A pincel con pintura muy diluída.

Óleo sobre papel. 36 x 36 cm. Precio: 100 €
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