Marta Moro

Para la temporada otoño invierno el Museo Thyssen nos tiene preparada una exposición que pretende recolocar en el lugar que se merece al pintor Henri Fantin-Latour.

A pesar de ser coetáneo de los impresionistas y de admirar a Manet e incluso de exponer en el Salón de los Rechazados, no estaba totalmente de acuerdo con sus teorías pictóricas, y mantuvo un estilo clásico no exento de innovaciones en cuanto a temas y técnicas.

Puede decirse que se trata de un estilo realista-romántico.

Sus bodegones y flores obtuvieron un rotundo éxito en Gran Bretaña.

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Estas rosas parecen tintinear de delicadeza delante de ese oscuro fondo. Su rápida decrepitud las convierte en un símbolo de la mortalidad, algo tan presente en el romanticismo. Cada pétalo está formado por una gruesa pincelada de color sin mezclar en la paleta.

Recuerdo que cuando en clase de pintura nos ponían este tipo de modelos de flores, todos nos afanábamos en pintar pétalo a pétalo con todo el detallisimo que podíamos. Entonces venía la profesora y nos aniquilaba los precisos bordes con un gruesa pincelada de color puro. Nos poníamos rojos de rabia. El resultado era basto pero muy efectista, de repente las flores cobraban vida. Así aprendí a pintar flores. Pero me quedó la espinita de intentar hacerlas con más detalle.

Artelista es un interesante lugar donde el arte se manifiestas en sus diversas facetas y profundidades. Se pueden encontrar desde autores altamente consagrados, hasta principiantes y aficionados, pasando por artistas de amplia trayectoria aunque no sean tan conocidos por el gran público.

Es el caso de Leopoldo González Andrades, que con una paleta de fuerte colorido y un estilo muy definido, es capaz de enfrentarse con éxito a diversos estilos: realismo, simbolismo, pop-art, surrealismo y hasta cubismo.

A mi me gustan especialmente sus paisajes, donde los fuertes contrastes de color del Atlántico Sur se hacen patentes en sus pinceladas. Y me ha parecido especialemte original esta obra titulada «Reflejos».

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Como él mismo explica en su página de Artelista, es la representación de los reflejos de los edificios y de un puente en el agua; pero aislados como están del contexto al que se refiere, crea una obra casi abstracta muy atractiva.

Fue un pintor holandés, que vivió en el Londres victoriano, y que tuvo un gran éxito en vida, siendo colmado de honores y lauredo con medallas de las bellas artes y membresías de honor de las principales reales academias europeas.

Su estilo neoclásico, no exento de un gran romanticismo por los temas que elige, logra acercar a los personajes y hechos históricos  a la realidad del momento en el que vivía, a un público culto y refinado, la emergente burguesía del s. XIX. Sobre todo son escenas de la Antigüedad Griega, Romana y Egipcia. Pero supongo que también a otro público menos formado por la gran escenificación que poseen sus obras, son casi como escenas de teatro o cine. Cuando vi sus pinturas por primera vez me pareció estar ante alguna escena de rodaje de películas clásicas como Cleopatra o Ben Hur. Y resulta, que su obra y la investigación sobre arqueología e historia social que llevó a cabo para documentarlas, sirvieron de fuente de inspiración para directores como DW Griffith («Intolerancia») y Cecil B de Mile («Los Diez Mandamientos»).

Supongo que también infliuyó en su éxito el hecho de elegir no precisamente temas épicos de batallas o coronaciones, sino escenas mundanas no exentas a veces de cierto tono picante.

Le llamaban «el pintor marmolilloso» por su maestría para pintar el mármol, material del que estaba hecho su propio estudio de pintor. También pintaba con gran habilidad otras superficies reflectantes, las transparencias del agua y los ropajes, las flores y frutos. Además tuvo que ser un gran dibujante para poder ordenar tan armoniosamente las figuras en los escenarios de sus cuadros.

Tiene otras obras más escenográficas, pero a mi me gusta especialmete esta titulada «En un lugar de privilegio», quizás por el paise marino abierto y por la dificilísima perpectiva en picado que ofrece.

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Son tres mujeres romanas que observan desde un sitio alto privilegiado la llegada de las galeras.

La textura del mármol, las telas de los ropajes de las mujeres, las flores y la cálida luz mediterránea reflejada en su delicada piel están magistralmente conseguidos, y contrastan con el color y robustez del animal de bronce de la escultura que domina la esquina del edificio. Sin olvidarse de la romántica expresión de espera ansiosa de las féminas ante la inminente llegada de los valientes hombres que trae el barco. La posición de este objeto en el cuadro, reducidísimo en tamaño y levemente pintado, culmina la sensación de perspectiva. Y las miradas de dos de las mujeres hacia él centran la atención de la escena de una manera casi cinematográfica.

Algunos cuadros de desnudos femeninos de Omar Ortiz me han hecho acordarme de Ingres.

Neoclásico o Romántico o ambas cosas a la vez, Dominique Ingres fue un pintor imprescindible para la Historia de la Pintura.

Bebió de la fuentes clásicas, sobre todo cuando vivió en Italia. Admiraba fervientemente a Rafael. Pero aportó su peculiar mirada a las normas clásicas adoptando un criterio propio de elegancia, refinamento y exotismo con el que supo ganarse a los poderosos de su época, tiempos convulsos con la llegada de Napoleón al poder en Francia y los períodos siguientes.

Nunca cruzó el Mediterráneo y sin embargo envolvía sus obras, sobre todo los desnudos femeninos, del exotismo del Oriente, con los colores cálidos y nebulosos de sus ambientes, los ropajes y estampados de las telas, las poses curvilíneas de las modelos.

Así se puede apreciar en esta obra suya titulada «La Gran Bañista» o «La Bañista de Valpinçon», debido al nombre del comprador del cuadro en su época al pintor.

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Está de espaldas mostrando un total distanciamento con el espectador, no muestra el rostro. Está ensimismada en su relax después de un baño, en una estancia cálida con gruesos ropajes y una luz muy ténue que sólo se refleja con más fuerza en su espalda. El silencio parece absoluto, sólo roto por el murmullo del agua del pequeño surtidor de abajo a la izquierada.

La gran monumentalidad del cuerpo humano es lo novedoso en esta obra. Las bañistas de otras épocas clásicas anteriores estaban integradas en una gran estancia o en un amplio paisaje. Y eso que hasta se le pueden achacar ciertos errores anatómicos como la excesiva longitud de la columna (algunos críticos dicen que la modelo debería tener 3 ó 4 vértebras más para tener esa longitud de espalda), la estrechez de caderas o la hinchazón de la planta del pié. Otros críticos dicen que Ingres era muy consciente de esos errores y que lo hacía aposta para dar esbeltez a sus desnudos.

Sea como fuere, el cuadro es maravilloso.

Os presento el fantástico blog de Omar Ortiz: omarortiz.wordpress.com

Tiene una estética minimalista, con el fondo en negro para resaltar aún más si cabe sus obras.

La ausencia de texto nos ayuda a centrarnos de lleno en sus pinturas.

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Se está realizando una exposición sobre este gran pintor en el Museo Thyssen, hasta el 20 de septiembre de este año.

Recoge su segunda etapa pictórica, que explican muy bien en esta página del museo.

Se le considera el padre del Fauvismo, estilo que se caracteriza por la expresión a través del color, a veces irreal.

La pintura de Matisse es una explosión de color, algo muy rompedor en su época. Ya lo había hecho Gauguin, pintor que estudió a fondo.

Acudió a la escuela de Gustave Moreau, pintor que promovía entre su alumnado la libre expresión de cada cual adaptada a su estilo personal de ver y comprender la realidad y la vida. A este pintor se le considera también el antecesor del Simbolismo.

Toda su pintura es muy luminosa y optimista por el colorido y los temas elegidos; estática, transmitiendo calma y paz, a pesar de los terribles acontecimientos históricos que se sucedían en su época y de sus propios estados emocionales que nunca reflejó. Matisse pretendía que el arte fuera el lugar de descanso del espíritu, no que condujera a la elaboración intelectual sobre problemáticas personales o sociales. Y lo consiguió a base de mucho esfuerzo artístico, pobrando muchas soluciones para sus temas, doblegando las manchas de color a lo que él quería expresar, sin sombreado. Cuando utilizaba la profundidad era a base de forma y color.

Como en este cuadro, «La Música», en el que la simplificación de las formas corporales de las mujeres, contorneadas en negro por un sencillo dibujo, están rellenas de colores puros muy contrastados (amarillo, rojo, azul). Sólo las manos y pies están un poco más concretados para expresar la postura o el movimiento de tocar la guitarra. La posición de la partitura y la mesa, las piernas cruzadas y el pie es lo que dan sensación de profundidad por su forma y tamaño.

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Cada vez fue simplificando más su arte.

Recuerdo haber leído que, enfermo al final de su vida, cuando ya no podía pintar, prostrado en la cama recortaba papeles de colores para hacer creaciones con formas aparentemente simples.

Rompió muchos esquemas y reglas artísticas. Fue un precursor de las vanguardias posteriores y del arte del Siglo XX.

Para hablar de precursores del cubismo y otras vanguardias, hay que referirse a Cézanne.

Aunque conoció a los impresionistas y participó de su estilo y de alguna exposición conjunta en el Salón de los Rechazados, utilizó un peculiar estilo propio que le diferenciaba y le aislaba aún más de público y crítica. Pudo resistir económicamente gracias a la herencia familiar, viviendo y pintando en París y en la Provenza.

Mantenía que la reproducción pictórica puede basarse en tres formas geométricas simples, el cilindro el cono y la esfera, y trataba de reproducir la visión binocular de los objetos, resultado de mirarlos primero con un ojo y luego con el otro. Este fue el punto de partida del cubismo, que reelaboraron más tarde pintores como Picasso, Braque o Gris, llegando a la destrucción de la forma.

Se considera que la obra exponente de este estilo previo al cubismo es «Las grandes bañistas» de 1906. Hizo varias versiones del tema de las bañistas, y esta es la última. Las figuras están dispuestas formando un triángulo que enmarcan los troncos de los árboles. Esa disposición crea un gran efecto de profundidad, ayudado por el espacio vacío en el centro entre las mujeres del primer plano, que nos lleva la mirada hacia las figura de la otra orilla del río y el paisaje del fondo. Predominan los colores ocre, verde y azul, y las figuras humanas están realzadas por un grueso borde negro. El cuadro transmite el distanciamento del artista, sin emociones, hacia una visión de una escena mundana con ciertos matices mitológicos, las ninfas del río disfrutan de su baño. Los rostros de las bañistas están difuminados, no se las retrata, lo que da un tono más irreal a la obra.

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Reconozco que me siento especialmete atraída por este paisaje de «La Montaña Sainte-Victoire vista desde Bellevue». Los colores tran fuertes de un atardecer pero equilibrados y esas pinceladas casi cuadradas, formando un todo armonioso a base de formas casi geométricas, es un logro pictórico apabullante.

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