Marta Moro

Un blog sobre pintura

Antonio López en el Thyssen 3 Julio 2011

Filed under: Museos,Otros pintores — Marta Moro @ 21:00

Esta es la gran exposición del verano: Antonio López en el Thyssen.

Está dividida en dos partes. En la primera se puede ver una antología de sus últimas obras desde su última gran exposición en 1993. En la segunda parte se hace un recorrido por sus etapas anteriores tratando de hacer una nueva interpretación de las mismas.

Sea como sea, este excepcional artista que maneja magistralmente no sólo la pintura, sino también el dibujo y la escultura, merece una parada en Madrid para ver esta exposición o por lo menos hacerse una idea de ella a través de esta web que ha preparado el museo. Ahí se explica los temas que elige (Madrid, la figura humana, el árbol), su evolución como artista y por qué tarda tanto tiempo en hacer algunas obras.

Algunas de las obras expuestas:

 

 

 

 

 

 

 

El que pueda que lo disfrute en directo.

 

 

Juan Moreno Aguado 30 Abril 2011

Filed under: Otros pintores,Paisajes,Retratos — Marta Moro @ 20:00

El seguimiento de este 6º Premio de Pintura de la Fundación de las Artes y los Artistas, me permite descubrir a interesantes e importantes pintores figurativos actuales.

Es el caso de Juan Moreno Aguado. No sólo es un magnífico pintor, sino también escultor y dibujante.

En sus obras el detalle de los objetos nos lleva a encontrar el alma de las cosas y las personas.

Es un excelente paisajista,

un gran pintor de interiores profundos y luminosos,

y también es un magnífico retratista,

Una obra que me ha cautivado es este ojo de buey que me recuerda al clásico espejo de “El Matrimonio Arnolfini”:

 

 

Colección Zanchi 28 Febrero 2011

Filed under: Otros pintores — Marta Moro @ 20:00

Estos días se puede visitar una magnífica exposición en Vigo, concretamente en la Fundación Nova Caixa Galicia.

Así lo recoge El Faro de Vigo en este artículo.

Se trata de una interesante parte de la Colección Zanchi, una serie de obras únicas recopiladas por esta familia suiza desde los años 50′ hastas la actualidad, que se exponen por primera vez en Europa.

Además pude verla siguiendo la explicación de una guía que siempre hace descubrir información muy interesante y así disfrutar más de las obras. La guía siguió el orden cronológico que mantiene la exposición y así se pudo ver un repaso de la historia del arte desde el Renacimiento hasta el siglo XIX

Empezó por resaltar dos grabados de Durero, que supusieron un paso intermendio entre el arte gótico y el renacentista (pero no encuentro imágenes en la red de estas obras)

A continuación un pequeño cuadro de Mantegna titulado “La Virgen y el Niño” en el que resalta el encuadre de la perspectiva lineal ya con conocimientos científicos, y la perspectiva aérea, así como el volúmen que el autor da a los pliegues de la tela. Es una de las primeras escenas que se hacen casi en un exterior, pues semeja un balcón. Sorprende la avanzada edad de la Virgen en relación a otras obras contemporáneas, como símbolo de la cercanía de la muerte.

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“La Virgen del cuello largo” de Parmigianino, con la exageración de los miembros de las figuras representadas, no sólo el cuello de la Virgen, sino también sus dedos, la longitud de las piernas, el torso y las piernas del Niño, pues como artista quiso ir más allá de lo real y romper con las reglas pictóricas de su época. La Virgen está ataviada como una cortesana, con telas fastuosas y joyas y con rubor, algo muy rompedor para su tiempo.

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La escultura de bronce de Miguel Ángel, única en el mundo junto a uno de los bocetos que hizo su autor. Representa a Atropos, la Parca que sujeta las tijeras que cortan los hilos con los que mueven las vidas de los mortales.

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“El descendimiento de la Cruz” de Rubens, prototipo del arte barroco, con la disposición en diagonal, la variedad de colores y el contraste de los tonos y la dramatización de la escena.

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Otra obra de Rubens es “Susana y los Viejos” en la que capta la intención de los jueces y la sorpresa de la mujer como si fuera una fotografía.

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De uno de sus primeros alumnos Anton Van Dyck, resalta la obra “Sileno borracho” en la que ya se muestra como uno de los grandes autores de retratos psicológicos.

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Caravagio y su tenebrismo dramático en la “Incredulidad de Tomás” que representa la escena en la que el apostol mete el dedo en la llaga de Cristo. El pintor usó modelos de la calle, con su rostros ajados y su manos sucias y embrutecidas por el trabajo. La luz incide en la parte de la escena en la que el autor quiere poner la importancia: el estupor de Tomás y la ausencia de dolor de Jesús.

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Dos obras de Turner, un paisaje más detallado a la acuarela y otro más difuminado con los efectos de la luz a través del vapor de agua. Precursor de los impresionistas.

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Y para terminar, un pequeño retrato de Ingres, del que tampoco encuentro imagen en la red.

Espero que hayais disfrutado tanto como yo.

 

Gaston La Touche 3 Enero 2011

Filed under: Otros pintores,Paisajes,Retratos — Marta Moro @ 22:12

Pintor, escultor y grabador francés es contemporáneo de los impresionistas pero no tan famoso cono ellos, quizás por su derivación a temas cortesanos o por haber tenido mucho éxito en vida (fué Caballero de la Legión de Honor)

De esa temática, son estas obras, en escenarios teatrales y con personajes embelesados:

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Pero hay otras obras, de temática más mundana, en las que podemos admirar su magnífico empleo de la luz y del color:

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… y del blanco (¿cuántos tonos somos capaces de percibir en este cuadro?)

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Otro Rescatado 20 Junio 2010

Filed under: Exposición,Paisajes — Marta Moro @ 19:00

Es curioso como internet nos puede volver a poner en contacto con personas que no vemos desde hace años.

Gracias a este blog he recuperado a varias amistades del pasado, y que además amablemente me han mandado la foto de algún cuadro que pinté en su día.

Es el caso de este cuadro que os muestro ahora:

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Tengo que reconocer que me gusta un montón. Le di fuerza a la pincelada suelta, sin miedo. Quería hacer mi propio cuadro de amapolas sin copiar a Monet:

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Alejandro Rosemberg 5 Junio 2010

Filed under: Bodegones,Otros pintores,Retratos — Marta Moro @ 20:00

Un gran maestro a los 29 años de edad. Qué nos deparará en el futuro este pintor y dibujante argentino.

El minimalismo de los escenarios destaca el tema del cuadro.

Es muy original su interpretación de las “naturalezas muertas” usando restos de la basura, cartones y bolsas de plástico:

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Con las imágenes de mudanzas nos lleva a esa sensación de “estar de nuevo” o de acabar e llegar y estar aún con la cabeza en la antigua casa:

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Por supuesto es un gran retratista:

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En su blog podreis ver más de estas fantásticas obras, e incluso el proceso de creación de algunas de ellas.

 

Marina Dieul 18 Mayo 2010

Filed under: Bodegones,Otros pintores,Retratos — Marta Moro @ 20:00

Una de las artistas de la exposición que vengo comentando últimamente.

Esta es su página personal, y esta su página en Artelibre.

Creo que es una obra delicada en aspecto pero fuerte de impacto, pues usa temas y colores muy sutiles pero nos llega directamente a la zona de las emociones (el hipotálamo)

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Este es un bodegón inusual por los objetos, los tonos azulados y el enfoque desde abajo:

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Carlos Muro Aguado 6 Mayo 2010

Filed under: Otros pintores,Paisajes,Retratos — Marta Moro @ 20:00

Seguir el cartel de esta exposición está resultando sorprendente, como en la anterior.

El siguiente pintor que os presento es Carlos Muro Aguado, “el pintor de los grises”. Entre otros, ha sido ganador de un Premio Penagos de Dibujo en el 2001 y dos Medallas de Honor del Premio BMV de Pintura (2002 y 2004)

Nacido en Toledo y afincado en Madrid, domina totalmente la paleta de tonos entre el blano y el negro, añadiendo en raras ocasiones algún toque de azul, amarillo o rojo. Su material es el acrílico.

Teniendo en cuenta que sus sobras son de gran formato (una media de dos por dos metros) podemos hacernos una idea de lo difícil que es aplicar los grises para obtener obras espectaculares como éstas:

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Éste es el ejercicio de todo principiante, pero en dos por dos metros la cosa se puede complicar.

Lo mismo sucede con este rostro infantil:

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Un paisaje urbano a contraluz resulta muy interesante con esta técnica:

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Y en sus últimas obras parece inspirarse en el pixelado:

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Antonio Capel 25 Marzo 2010

Filed under: Abstractos,Bodegones,Otros pintores,Paisajes,Retratos — Marta Moro @ 20:00

El cartel de la tercera exposición de Realismo Contemporáneo me ha descubierto a Antonio Capel.

Un pintor con una larga trayectoria y de reconocido prestigio que tiene obra en importantes museos de arte contemporáneo como el MUSAC. Pero a mi me ha llamado poderosamente la atención por ese ambiente cálido que recrea en sus cuadros tanto de interiores como de exteriores. Domina todos los temas figurativos: el paisaje, el retrato, el bodegón, mención especial para el tema ecuestre y taurino. Yo me quedo con los gatos y vais a entender porqué:

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En sus interiores usa un clasicismo castellano de tierras, ocres y maderas endulzado por la piel y vestimenta blanca de los personajes:

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En los bodegones se nota la maestría de un gran colorista y gran dibujante:

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De los paisajes éste es mi preferido por la sabia combinación de tonalidades del paisaje castellano, con el que demuestra toda la belleza que es capaz de poseer, pero que no todos los “norteños” son capaces de apreciar (si Galicia tiene mil verdes, Castilla tiene mil tostados):

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Incluso ha hecho una inmersión en la abstracción, pero este “realismo abstracto” es el que más me gusta:

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Si quereis ver cómo hace un retrato en 12 minutos no dejeis de ver los dos vídeos que hay al comienzo de su página.

Esta es la sección que le dedica Artelibre.

 

Georges Pierre Seurat 27 Junio 2009

Filed under: Otros pintores,Paisajes — Marta Moro @ 21:10

El Can-Can me llevó de Manet a Seurat.

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Georges Seurat, Bailarines de Can Can.

No podía olvidarme de este genio que inventó el Puntillismo, ese estilo pictórico no apto para hipermétropes.

Es una derivación del impresionismo, llevando al límite el principio de descomposición de la luz, y colocando las pinceladas de colores puros unas al lado de las otras, pero en este caso, las pinceladas son puntitos. La colocación resulta casi geométrica, y por tanto las figuras que compone. De ahí al Cubismo sólo hay un paso. Bueno… un gran paso que tuvieron que dar otros pintores, como Picasso.

Pero la obra que da nombre al estilo puntillista, y que resultó ser la más celebre de Seurat, reconocida como un icono de la pintura del XIX es esta: “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte”.

Tardó dos años en realizarla, haciendo multitud de bocetos, y estudiando la mejor manera de colocar los puntitos de color a una distancia concreta para mostrar todos los efectos que deseaba, con la intención de que fuera el ojo del espectador el que mezclara los colores puros en la retina y así dar lugar a sensaciones más intensas, creando algo parecido a una nube de color vibrante (fijaros en el detalle de la copa del árbol del plano medio de la izquierda). Era un científico del color, de cómo éste puede transmitir emociones de la manera más apropiada. Este cuadro es un manifiesto de su teoría pictórica: las lineas verticales y los colores cálidos para expresar alegría, y la líneas horizontales junto con el equilibrio entre colores cálidos y fríos para expresar relajación.

Por otro lado, la aparente quietud de las figuras de este cuadro contrasta con la gran cantidad de motivos y espacios, lo que da lugar a un incesante movimiento armónico.

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Georges Seurat, Tarde de domingo en la Grande Jatte.

Si Seurat no hubiera muerto a la temprana edad de 32 años, hubieramos podido ver muchas más maravillas como ésta.