Marta Moro

El Can-Can me llevó de Manet a Seurat.

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No podía olvidarme de este genio que inventó el Puntillismo, ese estilo pictórico no apto para hipermétropes.

Es una derivación del impresionismo, llevando al límite el principio de descomposición de la luz, y colocando las pinceladas de colores puros unas al lado de las otras, pero en este caso, las pinceladas son puntitos. La colocación resulta casi geométrica, y por tanto las figuras que compone. De ahí al Cubismo sólo hay un paso. Bueno… un gran paso que tuvieron que dar otros pintores, como Picasso.

Pero la obra que da nombre al estilo puntillista, y que resultó ser la más celebre de Seurat, reconocida como un icono de la pintura del XIX es esta: «Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte».

Tardó dos años en realizarla, haciendo multitud de bocetos, y estudiando la mejor manera de colocar los puntitos de color a una distancia concreta para mostrar todos los efectos que deseaba, con la intención de que fuera el ojo del espectador el que mezclara los colores puros en la retina y así dar lugar a sensaciones más intensas, creando algo parecido a una nube de color vibrante (fijaros en el detalle de la copa del árbol del plano medio de la izquierda). Era un científico del color, de cómo éste puede transmitir emociones de la manera más apropiada. Este cuadro es un manifiesto de su teoría pictórica: las lineas verticales y los colores cálidos para expresar alegría, y la líneas horizontales junto con el equilibrio entre colores cálidos y fríos para expresar relajación.

Por otro lado, la aparente quietud de las figuras de este cuadro contrasta con la gran cantidad de motivos y espacios, lo que da lugar a un incesante movimiento armónico.

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Si Seurat no hubiera muerto a la temprana edad de 32 años, hubieramos podido ver muchas más maravillas como ésta.

Figura clave de la pintura francesa de finales del XIX y comienzos del XX, Manet conjugó el realismo que rompía moldes (con su obra «Desayuno sobre la hierba» creo una pequeña revolución social y una grande en la pintura de su época) con el impresionismo.

Sus contemporáneos le criticaron duramente: que si no hacía bien la perspectiva, que si no componía el tema con equilibrio, que si los personajes eran demasiado reales y contemporáneos… Y hoy es uno de los grandes. Esos «defectos» son su mayor aportación a la evolución de la pintura.

Especialmente me gusta este cuadro: «El bar del Folies Bèrgere».

Otra vez un cuadro que mete al espectador dentro con el recurso del espejo, y que al mismo tiempo nos muestra el gran ambiente del local, ruidoso, atestado de gente, una escena frívola de las noches parisinas. Y dominando la escena, esa camarera imperturbable que mas bien parece una diosa distante esperando a que elijamos el deseo que nos va a conceder, dejando en un segundo plano a la figura masculina que está siendo atendido como cliente.

Cierto que la perspectiva no nos coloca correctamente como «el cliente» porque se refleja a la derecha y ella está casi de frente a nosotros, y el espejo está también completamente paralelo a la mesa de mármol, no está ladeado. El cuadro nos obliga a pensar, a colocarnos, a adivinar la intención del pintor, a que nos situemos como clientes, usando  a la figura masculina como necesaria sólo para dar veracidad al efecto del espejo.

Por otro lado, el preciosismo de los detalles de las botellas, del vestido, las joyas y el adorno de flores en el pecho, las flores en la copa, las naranjas, crean verdaderos bodegones impresionistas dentro de la obra. Pero donde más se puede observar este estilo es en el fondo del espejo, donde se refleja la gente, la luz artificial de las lámparas y el ambiente creado por ellas, y en el vaho producido por la condensación en el propio espejo. Una maravilla de cuadro.

Detallito: fijaros en la imagen de la esquina superior izquierda, yo juraría que son las piernas de una trapecista, no? ¡Menudas juergas las del «fin de siècle»! Casi se puede oir el Can-Can…

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Uno de los estilos pictóricos coetáneos al Impresionismo fue el Simbolismo.

Dentro de esta corriente puede incluirse a Charles Guilloux, un pintor francés poco conocido por el gran público, del que me ha gustado mucho este «Crepúsculo» que tienen en el Museo de Orsay. Me ha llamado la atención por el uso de las zonas planas de color (tan típicas del Pop Art) con las tonalidades tan acertadas para dar la sensaciónde profundidad y atmósfera. Es justo lo que pretendía con mi cuadro de «Atlántico», pero yo tuve que usar un montón de cambios de tonalidad para lograrlo.

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Este otro cuadro suyo también es fantástico. Y parece que ha usado la pintura muy diluída, casi se ve el lienzo.

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Este gran pintor ha hecho un comentario en la entrada que le dediqué. Y la verdad, me emociona y llena de orgullo que le guste lo que escribí sobre su obra.

Gracias a ese comentario he descubierto su página oficial, con muchas más obras, de gran y pequeño formato, acuarelas y dibujos, su blog y una curiosidad muy interesante: un «paso a paso», o «cómo se hizo» de un retrato femenino que forma parte de uno de sus cuadros: «Das Rheingold: Freia II».

Una buena ocasión para ver como trabaja un gran artista. Si pinchais en el cuadro lo comprobareis:

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Haciendo la entrada anterior me he dado cuenta de que no tenía ninguna dedicada al gran Claude Monet, padre del impresionismo francés.

Es tan maravillosa toda su obra que es difícil escoger algo en concreto para mostrar aquí y dejar todo lo demás. Por eso os invito con más entusiasmo del acostumbrado a mirar con calma los enlaces que os ofrezco.

La investigación que hizo con la pintura, el color y la luz supuso el comienzo del arte abstracto.

Cuadros de Monet

Claude Monet’s

Artcyclopedia

Elijo la obra que le dio nombre al estilo y la que supuso la sublimación del mismo: «Impresión» y «Nenúfares».

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Son numerosos los autores contemporáneos de los impresionistas franceses, pero oriundos de otros países, que tuvieron contacto con ellos y que adoptaran algunas de sus enseñanzas para integrarlas en su propio estilo. Le pasó a los españoles Sorolla, Darío de Rogoyos y Santiago Rusiñol, a la norteamericana Mary Cassatt, al noruego Peter Severin Kröyer, al sueco Anders Zorn, y muchos más.

Es el caso de Childe Hassam otro norteamericano que se convirtió al impresionismo al conocer la obra de Monet. Sus temas preferidos eran los estudios de mujeres y los paisajes urbanos que ofrecían un reto para mostrar efectos de la luz, por ejemplo el reflejo de las calles mojadas por la lluvia.

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He aquí la exposición. Con ella se cumple uno de los anhelos de este genial pintor, ver una antología de su obra en El Prado, junto a su admirado Velázquez.

En esta página del museo se puede ver una presentación en video de la exposición comentada por los dos comisarios de la misma. Muy interesante, 15 minutos de explicaciones que nos ayudan a entender mejor su pintura y la distrubución de sus obras en las distintas salas. Si se continúa por la página hay abundante información sobre las obras mostradas

Entre ellas, figura los 14 paneles que hizo para la «Hispanic Society of America» en los que refleja su visión de España.

Una ocasión única de poder ver su obra, sus grandes obras, reunidas para la ocasión y dificilmete repetible.

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Parece ser que la última imagen que sale en la cabecera de «Mujeres Desesperadas» es de Robert Dale (Pareja romántica») como dice Borja. No he encontrado referencias de este autor en la red, tan sólo de algunas de sus obras.

Pero me recuerdan a las de Roy Lichtenstein.

Al parecer la técnica de «los puntitos» fue una invención de él, que añoraba no haber inventado Andy Warhol. Creo recordarlo de cuando fui al Guggenheim de Bilbao y pude ver un cuadro suyo en una exposición itinerante.

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Este es una de sus obras más conocidas, y me gusta especialmente por la tensión cinematográfica que crea.

En el Observatorio se puede ver un estupendo análisis sobre ella.

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Escogía imágenes de los comics y de los productos industriales, parodiándolos, magnificándolos, pero no con un ansia de crítica social, sino para hacer más consciente al público norteamericano de su cultura.

Conincidió en el tiempo con Andy Warhol, en el estilo que se llamaría Pop Art, pero huía de las cámaras y de los flashes. Era un hombre introvertido en su arte, que recibió críticas muy negativas.